|
auch
das künstlerische Umfeld. Er tauscht die Malerei des sozialistischen Realismus
der DDR gegen die Auseinandersetzung mit der späten informellen Malerei
und der beginnenden Pop Art in Düsseldorf ein. Aus diesem Wechsel bleibt
ihm ein Zweifel gegen jede Gewissheit und Festlegung in der Kunst: »Ich
verfolge keine Absichten, kein System, keine Richtung. Ich habe kein Programm,
keinen Stil, kein Anliegen«, formuliert er 1966. Der Künstler versteht Malerei
als Handlung, als Suche nach der Wirklichkeit von heute: »Also das, was
ich oft als mein Manko ansah, dass ich nicht in der Lage war, ein 'Bild
zu schaffen', ist nicht Unfähigkeit, sondern instinktives Bemühen um eine
modernere Wahrheit, die wir bereits leben (Leben ist nicht das Gesagte,
sondern das Sagen, nicht das Bild, sondern das Bilden)« (3. Nov.1989).
Als Vergleichsfolie der Malerei nutzt Gerhard Richter ihre Gegenspielerin in
der Wirklichkeitsdarstellung, die Fotografie. 1962 nahm er erstmals eine Fotografie
als Ausgangspunkt für Malerei. Seither sammelt er systematisch Fotografien als
Malvorlagen für seine Gemälde. So entstand ein Archiv von 1945 bis heute, von
privaten und öffentlichen Bildern, aus Zeitungsfotos, Schnappschüssen von Amateuren
und selbstgemachte Fotos, das unter dem Titel »Atlas« 1972 zum ersten Mal ausgestellt
wurde. Aus diesem Bildervorrat wählt Gerhard Richter seine Motive, die er vergrößert
oder auch nur im Ausschnitt in seinen Gemälden abbildet. Durch die präzise Wiedergabe
der fotografischen Unschärfe weist das Bild auf seine Herkunft aus der Lichtbildtechnik
und seinen Ursprung aus der banalen Bilderwelt der Massenmedien oder der Amateurfotografie
zurück. Der Anlaß der Malerei bleibt nur noch vage zu erkennen, indem Richter
in der Übersetzung von Fotografie in Malerei die Farben auf Grauwerte reduziert.
Dadurch löst er die Malerei vom Gegenstand, der Ende der 60er Jahre in den »Grauen
Bildern« auch völlig in der Farbe Grau – für Richter die Farbe des Indifferenten
und des Nichts – verschwindet. Später kehrt der Künstler wieder zur Farbe zurück
und findet in den abstrakten Bildern der 80er und 90er Jahre zu einer komplexen
Schichtenmalerei. |
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
|
English Versin
>2<
demands posed by new forms
of conceptual art.
Born in 1932 in Dresden, Germany, Richter grew up under National Socialism
and lived for another 16 years under East German Communism before moving to West Germany in 1961.
Already accomplished as a mural painter, Richter began a radically new phase
of his career in the heady artistic milieu that developed around Cologne and
Düsseldorf in the 1960s. In that setting he discovered Abstract Expressionism,
Neo-Dada, Fluxus (Wolf Vostell), and a host of related avant-garde tendencies
and formed ties with other artists of his generation, notably Sigmar Polke.
Richter, Polke, and their friend Konrad Lueg identified themselves as German
Pop artists, but were also briefly proponents of a satirical variant of Pop
they called "Capitalist Realism." Richter and his friends viewed
the commercial culture of the West from a different perspective than their
American and British counterparts as a result of the contrasting economic
and political situation in Germany in the immediate postwar era.
Beginning in 1962 with grey-scale paintings that melded newspaper iconography
and family snapshots with an austere photography-based realism unlike anything
being done by the American Photo-Realists, Richter set his own course through
the tangle of "isms" that thrived around him. In the early 1970s,
Richter moved on to paint spare monochromes that evoked mainstream Minimalism,
but with a significantly different intent and feeling. In the late 1970s and
early 1980s, Richter’s brightly colored and boldly delineated canvases suggested
but also diverged from the pyrotechnic Neo-Expressionist painting then in
full flush. Throughout his career, Richter has cultivated a subtly romantic
and seemingly anti-modernist manner in the landscapes and the hauntingly beautiful
old master–like portraits he has intermittently produced even as he has pushed
abstraction to new levels of visual intensity. |
|
In 1988, Richter produced
a startling cycle of 15 black-and-white paintings titled October 18, 1977,
based on press photographs of the Baader-Meinhof group—a band of German
radicals who died in a Stuttgart prison on that date in tragic and highly controversial
circumstances. This group of paintings marks a turning point in Richter’s career, which had previously been
interpreted as detached and ironic. The most recent work in this exhibition—which
has not been widely seen in America—reveals a gentle, occasionally elegiac sensibility
despite the abiding critical severity of Richter’s painterly identity.
In every aspect of his varied output, Richter has assumed a skeptical distance
from vanguardists and conservatives alike regarding what painting should be,
choosing instead to test the limits of what he as an artist could create out
of the formal conventions and contradictory ideological legacy of the medium.
The result, paradoxically, has been the most thorough "deconstruction"
of those conventions and at the same time one of the most convincing demonstrations
of painting’s renewed vitality to be found in late-20th and early
21st-century art.
Wanderausstellung: After its showing at MoMA, the exhibition will embark
on a national tour to The Art Institute of Chicago (June 22 to September 15,
2002); the San Francisco Museum of Modern Art (October 11, 2002, to January
14, 2003); and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (February 20 to May
18, 2003).
PUBLICATION: The exhibition will be accompanied by a comprehensive illustrated catalogue
featuring an extensive critical essay by the curator, an interview with the
artist, chronology, an exhibition history, and bibliography. 170 plates in color
and duotone; approximately 320 pages, 10 x 11". A companion volume of writings
on Richter by a variety of critics will be published during the exhibition. |
|